HOLA AMIGOS LES DOY LAS GRACIAS POR HABER ASISTIDO A NUESTRO ENCUENTRO EL DIA 31 DE MAYO EN LA PLAZA CIVICA PARQUE BOYACA ESTE ENCUENTRO QUE SE REALIZA EL ULTIMO DOMINGO DE CADA 2 MESES LA ASISTENCIA FUE MUY BUENA POR PARTE DEL LOS COLECCIONISTAS Y EL PUBLICO EN GENERAL.
ESTE ENCUENTRO VOLVIO A SER COMO EN TIEMPOS PASADOS CON LA AYUDA DE USTEDES LOS COLECCIONISTAS .
NESTOR JAIRO RUEDA S PRESIDENTE
miércoles, 3 de junio de 2009
martes, 31 de marzo de 2009
AUDICION TULUA
DE ANTEMANO QUIERO AGRADECER A UNIMEL Y A TODOS LOS QUE NOS ACOMPAÑARON EN NUESTRO 10 ANIVERSARIO EN EL PARQUE PLAZA BOYACA
NESTOR JAIRO R. PRESIDENTE
NESTOR JAIRO R. PRESIDENTE
miércoles, 4 de marzo de 2009
LA LUPE
“LA LUPE”
Lupe Victoria Yoli Raymond
23 de diciembre de 1939 – 28 de febrero de 1992
Nacida el 23 de diciembre de 1939, en el barrio San Pedrito de la provincia de Santiago de Cuba, inició su carrera como integrante del trío Los Tropicubas y se destacó como intérprete de ritmos afrocubanos, rancheras, rock americano y boleros.
Antes de arribar a Nueva York ya era una cantante de fama y popularidad en Cuba.
Su carrera discográfica inició con el álbum "Con el diablo en el cuerpo", producido para el sello Discuba, en 1960.
Se dio a conocer en Nueva York, en 1964,
con la canción "Watermelon Man" junto a
Mongo Santamaría.
Se inició con Tito Puente cantando el tema
"Qué te pedí", para luego grabar
"La excitante Lupe canta con el maestro
Tito Puente" (1965), que vendió más de
500,000 copias. La excéntrica cubana
aportó a la banda de Puente un toque
malicioso e irreverente.
Contribuyó a cambiar el rumbo del bolero,
justo en la época de auge de la salsa.
En 1968 Tito Puente la despide, incidente
que la vocalista consignó en la grabación del tema "Oriente", cantando: "Ay, ay, ay, Tito Puente me botó".
La Lupe actuó, en 1971, en la obra "Two Gentlemen from Verona", en Broadway, estelarizada por el actor Raúl Juliá.
Su nombre está en el Salón de la Fama de la Música Latina Internacional en Nueva York.
El cineasta español Pedro Almodóvar ha confesado su fascinación por La Lupe, al punto de que incluyó su interpretación de "La tirana" en la película "Mujeres al borde de un ataque de nervios".
Acumuló lujos y fortuna, a pesar de que terminó hundida en la pobreza.
Fue la primera mujer en ser proclamada "La reina de la salsa".
Los productores de La Fania desconfiaron de su extravagancia y de su poca moderación escénica y la mantuvieron al margen.
Muchos opinan que Jerry Masucci, jeque de La Fania, la echó a un lado para impulsar la carrera de Celia Cruz.
En 1978 logró grabar con La Fania en un proyecto que provocó su reencuentro con Tito Puente: "La pareja".
Su carácter interpretativo, con gritos y gemidos, la convirtieron en la reina del desamor.
Antes de morir, a sus 53 años de edad, La Lupe se convirtió al evangelismo y grabó cuatro álbumes cristianos.
SU NOMBRE es Lupe Victoria Yoli Raymond, aunque es recordada por "La Lupe" y "La Yiyiyi".
Su primera grabación musical fue con el sello Discuba, en 1960, "Con el diablo en el cuerpo", e incluía, entre otras, famosas baladas norteamericanas en versiones al español como "Loco amor", "Quiéreme siempre" y, su primer éxito, "No me quieras así", tema que el público bautizó como "La Pared", porque solía cantarlo de frente a una pared.
En Cuba también grabó "Lo que trajo la ola" y "Volvió La Lupe", convirtiéndose en una de las artistas más aclamadas y ganándose el "Disco de Oro de Popularidad" que le otorgó la disquera RCA Víctor.
Su despunte artístico lo logra en Nueva York de la mano del puertorriqueño Tito Puente, luego de haber grabado un disco, en 1964, con el cubano Mongo Santamaría: "Mongo introduce La Lupe", en el que se incluían las canciones "Oye este guaguancó", "Montuneando", "This is my mambo", "Besitos pa' ti" y "Canta bajo".
De la mano de Tito Puente debutó en el Lowe's Boulevard Theatre de Nueva York con el bolero "Qué te pedí", dando inicio a una nueva etapa musical que se cristalizó con el álbum, "La excitante Lupe canta con el maestro Tito Puente" (1965), en el que interpretó boleros, bossa nova, guaguancó, cha-cha-cha, bomba, joropo, merengue y cantos santeros.
Con esta producción, que vendió más de 500,000 copias, La Lupe permitió que "El Rey del Timbal" superara la crisis artística por la que atravesaba como consecuencia del descenso que sufrieron las grandes orquestas de música latina en Estados Unidos a principio de la década de 1960, luego del cierre del famoso salón El Palladium.
De esa manera, su presencia le aportará a la banda del timbalero el toque malicioso que pedían los tiempos.
Su relación con Tito Puente continuó con los discos
"Homenaje a Rafael Hernández" (1966),
"The king and I" (1967) y "La pareja" (1968),
todos para el sello Tico Records.
A finales de los años 60, La Lupe fue coronada
por la prensa latina de Estados Unidos como
la cantante más destacada. A su vez,
Morris Levy, presidente de Tico Records,
la nombró "La reina de la salsa" y Tito Puente
la proclamó "The Queen of the Soul".
Su voz se paseó por los mejores escenarios
de la ciudad neoyorquina: el Manhattan Center,
el Carnegie Hall y el Madison Square Garden. También transitó los famosos carnavales de Venezuela y actuó en televisión, en teatros, cabarets y hoteles.
Pero su intensa actividad comenzó a troncharse cuando, en 1968, Tito Puente la despide. Aun así, en 1971 participó en una obra teatral junto al actor puertorriqueño Raúl Juliá: la comedia del inglés William Shakespeare "Two Gentlemen From Verona".
Era la gran época de las "Estrellas de Fania" y La Lupe no pudo integrarse a este nuevo panorama por poseer mala fama y goces de individualista. Corrían los primeros años de la década del 70 y los grandes productores de música
Latina y caribeña exigían a sus divas una conducta moderada.
Además, se señala que Jerry Masucci, jeque del imperio Fania,
Al comprar los derechos de los sellos Mardi Gras, Tico y Alegre,
Le impuso un veto musical a La Lupe para impulsar la carrera
artística de Celia Cruz.
A partir de entonces, la vocalista vuelve a su sitial con
el padrinazgo del puertorriqueño
Catalino "Tite" Curet Alonso, logrando su cenit con el disco
"Un encuentro con La Lupe", grabado en 1974.
En 1978, La Lupe, una figura convertida en mito, firmó un contrato con el sello de la Fania para grabar el álbum "La pareja", en un reencuentro con Tito Puente.
Antes de fallecer, en 1992, hizo el álbum "La Samaritana", una colección de canciones religiosas que fue su último trabajo de larga duración y que se suma a otros tres discos cristianos que grabó.
Su vida de teatro acabó en desgracias
"Le gusto a la gente porque hago lo que ellos quisieran hacer, pero no se
atreven"
Tras arrastrar el dolor de la marginación a la que con tanta furia le cantó, La Lupe abandonó la música para dedicarse a la religión, no sin antes haber vivido una etapa de desgracias. Quien fuera una de las estrellas más veneradas de la canción caribeña de los años 60, acumulando lujos y fortuna, terminó hundida en la pobreza y la miseria.
Su residencia se quemó
En una ocasión se accidentó en su hogar como consecuencia de una caída, lesionándose la columna vertebral. Ese hecho la postró en una silla de ruedas, por lo que tuvo que vivir de la benevolencia de los pocos amigos que le quedaban.
Vivió en un sótano en malas condiciones y luego acabó junto a su hija en un albergue para deambulantes en la misma ciudad que la veneró.
En 1986, el estado de Nueva York le dio un apartamento en el Bronx y asumió el coste de la intervención quirúrgica que la hizo volver a caminar.
Previo a su fallecimiento se convirtió al evangelismo y grabó cuatro discos religiosos, "Hermana Lupe", "La Lupe", "Dios no es hombre para que mienta" y "La Samaritana". Estas producciones incluyeron varios temas que fueron éxitos de la música popular de su época y que ahora la cantante las interpretaba cambiando sus letras, pero manteniendo el mismo sabor rítmico.
Haciendo una reflexión de su carrera, afirmó, en una entrevista con la revista Look, en 1971, que "le gusto a la gente porque hago lo que ellos quisieran hacer, pero no se atreven".
Asimismo, llegó a confesar que, en los años que participó junto al timbalero Tito Puente, había aprendido a ser "más organizada y moderada musicalmente", así como a "seleccionar mejor su repertorio".
En el recuento de su historia artística vemos que La Lupe grabó para las principales discográficas de su época: Discuba, RCA Víctor, Riverside, Tico-Records, Sony, Fania, Roulitte-Records y Manzana.
En cambio, su vida desordenada y revuelta no la llevó a aprovechar los momentos de gloria musical y la fama y fortuna que acumuló.
En el ocaso de sus días, mendigó por las calles y murió pobre y olvidada con tan sólo 53 años de edad, el 28 de febrero de 1992.
"Yo soy la mala"
La Lupe gustaba de coleccionar automóviles de último modelo, abrigos, anillos de brillantes, pestañas postizas y pelucas.
A insistencias de su padre, Tirso Yoli, un obrero de la fábrica de ron Bacardí, se graduó de maestra en Cuba.
De niña admiraba a la famosa cantante francesa Edith Piaf, la española Lola Flores y las cubanas Olga Guillot y Celia Cruz.
Mientras actuaba en 1958 en el club El Roco del sector El Vedado, en Cuba, con el Trío Tropicubas, no se podía contener y le gustaba cantar a su manera, saliéndose de la disciplina del grupo, lo que provocó su expulsión.
A su arribo a Nueva York, en 1964, tuvo que trabajar en un club nocturno de poca monta, La Barraca, y cobraba $30 dólares por función.
En 1964 se dio a conocer en Nueva York vocalizando la canción "Watermelon Man" con Mongo Santamaría, luego graban un disco y actúan juntos en los lugares de moda de la época como el Apollo Theatre, el Club Triton y El Palladium.
Su disco "Homenaje a Rafael Hernández", grabado con Tito Puente, fue premiado en Puerto Rico con una
"Placa de Plata".
Cuando, en 1968, Tito Puente la despide, graba el tema
"Oriente" y canta: "Ay, ay, ay, Tito Puente me botó".
En 1971 participó en la obra teatral "Two Gentlemen From
Verona", junto al actor Raúl Juliá, escenificada en Broadway.
Ese año, su esposo, Willie García, se enfermó de
esquizofrenia y falleció 4 años más tarde.
Su mala vida la llevó a perder parte de su fortuna
y su lujosa mansión de Nueva Jersey valorada en
$185,000 y que había pertenecido al actor Rodolfo Valentino.
En uno de sus peores momentos, la cantante visita Venezuela
y se recupera económicamente. También la premian con
el título de "Artista sensación" y con la "Estrella de Oro".
Una de sus aportaciones fue cambiar el rumbo del bolero en medio del boom de la salsa, lo que logra gracias a su inigualable estilo interpretativo.
Las cantantes cubanas Blanca Rosa Gil y Xiomara Alfaro la introducen al evangelismo.
Su mejor actuación
La Lupe tuvo varios matrimonios y procreó dos hijos: René Camaño y Rainbow García.
Fue incluida en el Salón de la Fama de la Música Latina Internacional en Nueva York, en el 2000.
Hay una calle en El Bronx (140 Este, entre las avenidas St. Anns y Cypress) que se llama "La Lupe Way".
Tito Puente le enseñó a ser más organizada y a seleccionar su repertorio.
Su esposo Willie García fue un cantante cubano del sexteto de Joe Cuba y del Grupo Folklórico Experimental Neoyorquino.
Su interpretación de "La tirana" se incluyó en una cinta de Pedro Almodóvar, "Mujeres al borde de un ataque de nervios".
Grabó 25 discos, el último de ellos, "La Samaritana", fue una colección de temas religiosos.
En los años 80, La Lupe comenzó a tomar unas clases en la Universidad de Lehman, en El Bronx para utilizar el dinero de las becas para renta y comida.
En los últimos años se ha intentado rescatar la memoria de La Lupe en producciones teatrales, como "La Lupe: Mi vida, mi destino" del Teatro Rodante Puertorriqueño en Nueva York y "La reina, La Lupe, el musical", interpretada por la actriz Sully Díaz.
La reina del desamor
Con la interpretación de "La tirana" y "Puro teatro", sus canciones se venden como antídotos para abrir y cerrar heridas en corazones accidentados y con despecho, alimentando los escenarios de relaciones amorosas con su inigualable estilo interpretativo, que es, a su vez, la representación del mundo marginal en el que vivió proclamándose su reina.
La Lupe revolucionó el ambiente musical caribeño de la época. Su forma de cantar con tono hiriente, con expresiones constantes de irreverencia, llena de trucos y hasta algo descuidada la acercó a la expresión del barrio, en un momento en que los sectores pobres imponían cierto aire agresivo, atrevido y ufano.
La cantante había encontrado el secreto en el acompañamiento de sus gritos y gemidos, llevándola a transformar el tono de su actuación. Pero no sólo en la esfera melódica, puesto que también poseía una magia particular que hacía que sus fieles fanáticos cambiaran sus penas y desgracias en celebraciones al desamor.
En cada aparición, su público se deleitaba con un momento único, enalteciéndose con el disfrute del drama de su actitud violenta y sus expresiones de teatralidad que la hacían desnudar sus desgracias y entrar en arrebatos de furia lanzando sus zapatos y ropas al aire, torciendo su alma al dolor, para ir recobrando su suspiro en el desahogo.
El escritor cubano Pedro Cabrera Infante la describió como "un temblor demente, una incursión trepidante, un verdadero ataque". Decía también el literato que en sus salidas al público "parecía poseída por el demonio del ritmo y su miedo escénico se convertía en una forma de terror".
“Adiós al cuerpo Que viva siempre su Alma”
Lupe Victoria Yoli Raymond
23 de diciembre de 1939 – 28 de febrero de 1992
Nacida el 23 de diciembre de 1939, en el barrio San Pedrito de la provincia de Santiago de Cuba, inició su carrera como integrante del trío Los Tropicubas y se destacó como intérprete de ritmos afrocubanos, rancheras, rock americano y boleros.
Antes de arribar a Nueva York ya era una cantante de fama y popularidad en Cuba.
Su carrera discográfica inició con el álbum "Con el diablo en el cuerpo", producido para el sello Discuba, en 1960.
Se dio a conocer en Nueva York, en 1964,
con la canción "Watermelon Man" junto a
Mongo Santamaría.
Se inició con Tito Puente cantando el tema
"Qué te pedí", para luego grabar
"La excitante Lupe canta con el maestro
Tito Puente" (1965), que vendió más de
500,000 copias. La excéntrica cubana
aportó a la banda de Puente un toque
malicioso e irreverente.
Contribuyó a cambiar el rumbo del bolero,
justo en la época de auge de la salsa.
En 1968 Tito Puente la despide, incidente
que la vocalista consignó en la grabación del tema "Oriente", cantando: "Ay, ay, ay, Tito Puente me botó".
La Lupe actuó, en 1971, en la obra "Two Gentlemen from Verona", en Broadway, estelarizada por el actor Raúl Juliá.
Su nombre está en el Salón de la Fama de la Música Latina Internacional en Nueva York.
El cineasta español Pedro Almodóvar ha confesado su fascinación por La Lupe, al punto de que incluyó su interpretación de "La tirana" en la película "Mujeres al borde de un ataque de nervios".
Acumuló lujos y fortuna, a pesar de que terminó hundida en la pobreza.
Fue la primera mujer en ser proclamada "La reina de la salsa".
Los productores de La Fania desconfiaron de su extravagancia y de su poca moderación escénica y la mantuvieron al margen.
Muchos opinan que Jerry Masucci, jeque de La Fania, la echó a un lado para impulsar la carrera de Celia Cruz.
En 1978 logró grabar con La Fania en un proyecto que provocó su reencuentro con Tito Puente: "La pareja".
Su carácter interpretativo, con gritos y gemidos, la convirtieron en la reina del desamor.
Antes de morir, a sus 53 años de edad, La Lupe se convirtió al evangelismo y grabó cuatro álbumes cristianos.
SU NOMBRE es Lupe Victoria Yoli Raymond, aunque es recordada por "La Lupe" y "La Yiyiyi".
Su primera grabación musical fue con el sello Discuba, en 1960, "Con el diablo en el cuerpo", e incluía, entre otras, famosas baladas norteamericanas en versiones al español como "Loco amor", "Quiéreme siempre" y, su primer éxito, "No me quieras así", tema que el público bautizó como "La Pared", porque solía cantarlo de frente a una pared.
En Cuba también grabó "Lo que trajo la ola" y "Volvió La Lupe", convirtiéndose en una de las artistas más aclamadas y ganándose el "Disco de Oro de Popularidad" que le otorgó la disquera RCA Víctor.
Su despunte artístico lo logra en Nueva York de la mano del puertorriqueño Tito Puente, luego de haber grabado un disco, en 1964, con el cubano Mongo Santamaría: "Mongo introduce La Lupe", en el que se incluían las canciones "Oye este guaguancó", "Montuneando", "This is my mambo", "Besitos pa' ti" y "Canta bajo".
De la mano de Tito Puente debutó en el Lowe's Boulevard Theatre de Nueva York con el bolero "Qué te pedí", dando inicio a una nueva etapa musical que se cristalizó con el álbum, "La excitante Lupe canta con el maestro Tito Puente" (1965), en el que interpretó boleros, bossa nova, guaguancó, cha-cha-cha, bomba, joropo, merengue y cantos santeros.
Con esta producción, que vendió más de 500,000 copias, La Lupe permitió que "El Rey del Timbal" superara la crisis artística por la que atravesaba como consecuencia del descenso que sufrieron las grandes orquestas de música latina en Estados Unidos a principio de la década de 1960, luego del cierre del famoso salón El Palladium.
De esa manera, su presencia le aportará a la banda del timbalero el toque malicioso que pedían los tiempos.
Su relación con Tito Puente continuó con los discos
"Homenaje a Rafael Hernández" (1966),
"The king and I" (1967) y "La pareja" (1968),
todos para el sello Tico Records.
A finales de los años 60, La Lupe fue coronada
por la prensa latina de Estados Unidos como
la cantante más destacada. A su vez,
Morris Levy, presidente de Tico Records,
la nombró "La reina de la salsa" y Tito Puente
la proclamó "The Queen of the Soul".
Su voz se paseó por los mejores escenarios
de la ciudad neoyorquina: el Manhattan Center,
el Carnegie Hall y el Madison Square Garden. También transitó los famosos carnavales de Venezuela y actuó en televisión, en teatros, cabarets y hoteles.
Pero su intensa actividad comenzó a troncharse cuando, en 1968, Tito Puente la despide. Aun así, en 1971 participó en una obra teatral junto al actor puertorriqueño Raúl Juliá: la comedia del inglés William Shakespeare "Two Gentlemen From Verona".
Era la gran época de las "Estrellas de Fania" y La Lupe no pudo integrarse a este nuevo panorama por poseer mala fama y goces de individualista. Corrían los primeros años de la década del 70 y los grandes productores de música
Latina y caribeña exigían a sus divas una conducta moderada.
Además, se señala que Jerry Masucci, jeque del imperio Fania,
Al comprar los derechos de los sellos Mardi Gras, Tico y Alegre,
Le impuso un veto musical a La Lupe para impulsar la carrera
artística de Celia Cruz.
A partir de entonces, la vocalista vuelve a su sitial con
el padrinazgo del puertorriqueño
Catalino "Tite" Curet Alonso, logrando su cenit con el disco
"Un encuentro con La Lupe", grabado en 1974.
En 1978, La Lupe, una figura convertida en mito, firmó un contrato con el sello de la Fania para grabar el álbum "La pareja", en un reencuentro con Tito Puente.
Antes de fallecer, en 1992, hizo el álbum "La Samaritana", una colección de canciones religiosas que fue su último trabajo de larga duración y que se suma a otros tres discos cristianos que grabó.
Su vida de teatro acabó en desgracias
"Le gusto a la gente porque hago lo que ellos quisieran hacer, pero no se
atreven"
Tras arrastrar el dolor de la marginación a la que con tanta furia le cantó, La Lupe abandonó la música para dedicarse a la religión, no sin antes haber vivido una etapa de desgracias. Quien fuera una de las estrellas más veneradas de la canción caribeña de los años 60, acumulando lujos y fortuna, terminó hundida en la pobreza y la miseria.
Su residencia se quemó
En una ocasión se accidentó en su hogar como consecuencia de una caída, lesionándose la columna vertebral. Ese hecho la postró en una silla de ruedas, por lo que tuvo que vivir de la benevolencia de los pocos amigos que le quedaban.
Vivió en un sótano en malas condiciones y luego acabó junto a su hija en un albergue para deambulantes en la misma ciudad que la veneró.
En 1986, el estado de Nueva York le dio un apartamento en el Bronx y asumió el coste de la intervención quirúrgica que la hizo volver a caminar.
Previo a su fallecimiento se convirtió al evangelismo y grabó cuatro discos religiosos, "Hermana Lupe", "La Lupe", "Dios no es hombre para que mienta" y "La Samaritana". Estas producciones incluyeron varios temas que fueron éxitos de la música popular de su época y que ahora la cantante las interpretaba cambiando sus letras, pero manteniendo el mismo sabor rítmico.
Haciendo una reflexión de su carrera, afirmó, en una entrevista con la revista Look, en 1971, que "le gusto a la gente porque hago lo que ellos quisieran hacer, pero no se atreven".
Asimismo, llegó a confesar que, en los años que participó junto al timbalero Tito Puente, había aprendido a ser "más organizada y moderada musicalmente", así como a "seleccionar mejor su repertorio".
En el recuento de su historia artística vemos que La Lupe grabó para las principales discográficas de su época: Discuba, RCA Víctor, Riverside, Tico-Records, Sony, Fania, Roulitte-Records y Manzana.
En cambio, su vida desordenada y revuelta no la llevó a aprovechar los momentos de gloria musical y la fama y fortuna que acumuló.
En el ocaso de sus días, mendigó por las calles y murió pobre y olvidada con tan sólo 53 años de edad, el 28 de febrero de 1992.
"Yo soy la mala"
La Lupe gustaba de coleccionar automóviles de último modelo, abrigos, anillos de brillantes, pestañas postizas y pelucas.
A insistencias de su padre, Tirso Yoli, un obrero de la fábrica de ron Bacardí, se graduó de maestra en Cuba.
De niña admiraba a la famosa cantante francesa Edith Piaf, la española Lola Flores y las cubanas Olga Guillot y Celia Cruz.
Mientras actuaba en 1958 en el club El Roco del sector El Vedado, en Cuba, con el Trío Tropicubas, no se podía contener y le gustaba cantar a su manera, saliéndose de la disciplina del grupo, lo que provocó su expulsión.
A su arribo a Nueva York, en 1964, tuvo que trabajar en un club nocturno de poca monta, La Barraca, y cobraba $30 dólares por función.
En 1964 se dio a conocer en Nueva York vocalizando la canción "Watermelon Man" con Mongo Santamaría, luego graban un disco y actúan juntos en los lugares de moda de la época como el Apollo Theatre, el Club Triton y El Palladium.
Su disco "Homenaje a Rafael Hernández", grabado con Tito Puente, fue premiado en Puerto Rico con una
"Placa de Plata".
Cuando, en 1968, Tito Puente la despide, graba el tema
"Oriente" y canta: "Ay, ay, ay, Tito Puente me botó".
En 1971 participó en la obra teatral "Two Gentlemen From
Verona", junto al actor Raúl Juliá, escenificada en Broadway.
Ese año, su esposo, Willie García, se enfermó de
esquizofrenia y falleció 4 años más tarde.
Su mala vida la llevó a perder parte de su fortuna
y su lujosa mansión de Nueva Jersey valorada en
$185,000 y que había pertenecido al actor Rodolfo Valentino.
En uno de sus peores momentos, la cantante visita Venezuela
y se recupera económicamente. También la premian con
el título de "Artista sensación" y con la "Estrella de Oro".
Una de sus aportaciones fue cambiar el rumbo del bolero en medio del boom de la salsa, lo que logra gracias a su inigualable estilo interpretativo.
Las cantantes cubanas Blanca Rosa Gil y Xiomara Alfaro la introducen al evangelismo.
Su mejor actuación
La Lupe tuvo varios matrimonios y procreó dos hijos: René Camaño y Rainbow García.
Fue incluida en el Salón de la Fama de la Música Latina Internacional en Nueva York, en el 2000.
Hay una calle en El Bronx (140 Este, entre las avenidas St. Anns y Cypress) que se llama "La Lupe Way".
Tito Puente le enseñó a ser más organizada y a seleccionar su repertorio.
Su esposo Willie García fue un cantante cubano del sexteto de Joe Cuba y del Grupo Folklórico Experimental Neoyorquino.
Su interpretación de "La tirana" se incluyó en una cinta de Pedro Almodóvar, "Mujeres al borde de un ataque de nervios".
Grabó 25 discos, el último de ellos, "La Samaritana", fue una colección de temas religiosos.
En los años 80, La Lupe comenzó a tomar unas clases en la Universidad de Lehman, en El Bronx para utilizar el dinero de las becas para renta y comida.
En los últimos años se ha intentado rescatar la memoria de La Lupe en producciones teatrales, como "La Lupe: Mi vida, mi destino" del Teatro Rodante Puertorriqueño en Nueva York y "La reina, La Lupe, el musical", interpretada por la actriz Sully Díaz.
La reina del desamor
Con la interpretación de "La tirana" y "Puro teatro", sus canciones se venden como antídotos para abrir y cerrar heridas en corazones accidentados y con despecho, alimentando los escenarios de relaciones amorosas con su inigualable estilo interpretativo, que es, a su vez, la representación del mundo marginal en el que vivió proclamándose su reina.
La Lupe revolucionó el ambiente musical caribeño de la época. Su forma de cantar con tono hiriente, con expresiones constantes de irreverencia, llena de trucos y hasta algo descuidada la acercó a la expresión del barrio, en un momento en que los sectores pobres imponían cierto aire agresivo, atrevido y ufano.
La cantante había encontrado el secreto en el acompañamiento de sus gritos y gemidos, llevándola a transformar el tono de su actuación. Pero no sólo en la esfera melódica, puesto que también poseía una magia particular que hacía que sus fieles fanáticos cambiaran sus penas y desgracias en celebraciones al desamor.
En cada aparición, su público se deleitaba con un momento único, enalteciéndose con el disfrute del drama de su actitud violenta y sus expresiones de teatralidad que la hacían desnudar sus desgracias y entrar en arrebatos de furia lanzando sus zapatos y ropas al aire, torciendo su alma al dolor, para ir recobrando su suspiro en el desahogo.
El escritor cubano Pedro Cabrera Infante la describió como "un temblor demente, una incursión trepidante, un verdadero ataque". Decía también el literato que en sus salidas al público "parecía poseída por el demonio del ritmo y su miedo escénico se convertía en una forma de terror".
“Adiós al cuerpo Que viva siempre su Alma”
TITO RODRIGUEZ
TITO RODRIGUEZ
El reconocido vocalista, percusionista, director de banda, compositor, y productor de grabaciones, Tito Rodríguez, ya tocaba maracas con 16 años, y cantaba como segunda voz con el Cuarteto Mayari antes de trasladarse a la ciudad de Nueva York para vivir con su hermano mayor, Johnny quien se había mudado allí en 1935.
El primer trabajo de Rodríguez en la Ciudad de Nueva York fue con el Cuarteto Caney. Después de un breve tiempo con Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y bongista se alistó en el Ejército de los Estados Unidos.
En 1946 el pianista y compositor cubano José Curbelo reclutó a Tito Rodríguez y a Tito Puente para su banda, que llegó a ser una "incubadora" para el futuro sonido del mambo en Nueva York.
En febrero 1947, mientras aun estaba con Curbelo, Rodríguez participó en una sesión de grabación de Chano Pozo para el sello SMC, que incluyó la banda de Machito, Arsenio Rodríguez y Miguelito Valdés.
Dirigió un quinteto efímero, que él formó a finales del 1947, llamado los "Mambo Devils" en 1948.
En 1949 firmó con Tico Records, formada apenas un año anterior. Hizo dos trabajos para este sello, entre 1949 y 1953 y entre 1956 y 1958, durante este tiempo lanzó 78 grabaciones de RPM, seis volúmenes de mambos de 10 pulgadas, y varios álbumes de 12 pulgada.
En 1960 firmó con United Artists Records con el acuerdo que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello: "Live at the Palladium" fue un éxito magnífico.
En 1963 él lanzó el disco de jazz latino: "Live at Birdland" que incluyó a los músicos de jazz Zoot Sims, Clark Terry, Bob Brookmeyer, Al Cohen y Bernie Leighton. Ese mismo año Rodríguez tuvo un éxito extraordinario con su álbum: "From Tito Rodríguez with Love" en el cuál, Israel "Cachao" López, como acompañante dio una lección maestra al contrabajo.
Malos contratos de negocios y el constante choque con sus músicos lo llevaron a disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Sintiéndose rechazado por su propia gente, Tito Rodríguez se mudó a Coral Gables, Florida, en los Estados Unidos. Rodríguez demostró los primeros signos de su enfermedad en 1967 al hacer uno de sus últimos programas de televisión.
La última apariencia de Rodríguez fue con Machito y su banda en el Madison Square Garden de New York el 2 de febrero de 1973. Poco después la leucemia le quitó la vida
Fue el segundo de los diez hijos del matrimonio formado por el dominicano José Rodríguez Fuentes y la cubana Severiana Lozada.
Desde su niñez, mostró gran interés en la música y ya en su niñez organizó e integró el conjunto Sexteto Nacional, junto a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau. Luego, a los 13 años integró el Conjunto de Industrias Nativas que dirigía el músico Ladislao Martínez, con la cual grabó su primer tema, titulado Amor perdido en 1937. Al año siguiente, le invitan a formar parte del grupo Cuarteto Mayarí junto con los guitarristas Manuel Jiménez (guitarrista) y Francisco "Paquito" Sánchez y el trompetista Plácido Acevedo. Tito tocaba las maracas y hacía la segunda voz en el conjunto, experiencia que nunca fue grabada pues permaneció solo cuatro meses con el grupo.
La isla de Puerto Rico pasaba en ese momento por una situación económica difícil influenciada por la "Gran Depresión" estadounidense; es esta circunstancia la que lleva a Tito a escribirle a su hermano, el músico y cantante Johnny Rodríguez, quien residía en Nueva York desde 1935, expresándole su deseo de marcharse. Había concluido sus estudios de bachillerato y sus padres habían fallecido, lo que precipitó su partida.
En Nueva York [editar]
En 1939, Tito Rodríguez, con 16 años de edad, llegó a Nueva York esperanzado en trabajar como cantante y trazar su propia ruta musical. En un principio hizo apariciones en la orquesta de su hermano Johnny y poco después logró cantar con el Cuarteto Marcano, con el cual grabó sus primeros discos en Nueva York, aunque nunca formó parte de esta agrupación. Luego, integró el Cuarteto Caney y tras una pasantía breve por las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y percusionista, presta en 1945 el servicio militar obligatorio en el ejército estadounidense.
Al licenciarse del ejército, el pianista y compositor cubano José Curbelo reclutó a Rodríguez como cantante y músico para su orquesta. Ese año, mientras la banda de Curbelo actuaba en el club nocturno "China Doll", Rodríguez conoció a una corista estadounidense-japonesa llamada Tobi Kei, con quien se casó unos meses después y tendría a sus hijos Tito Jr. y Cindy.
Como anécdota de esta época, se cuenta que un día de 1947, Rodríguez pidió permiso a Curbelo para atender a su esposa enferma, pero realmente el cantante estaba tomando licor en un bar. Curbelo lo despidió y Tito estuvo desempleado largo tiempo. Después dirigió un quinteto de corta duración y en 1948 funda la orquesta "Mambo Devils" (Diablos del Mambo). Con esta orquesta, en pleno auge del mambo, Rodríguez rivaliza con las orquestas de Tito Puente y con los Afrocubans de Machito .
Firma su primer contrato de grabación con la disquera Tico Records, la cual le obliga a cambiar el nombre de su orquesta, el cual pasó a ser Los Lobos del Mambo. Para entonces había iniciado estudios en Julliard Musical Conservatorio tomando clases de percusión, vibráfono y xilófono.
Buscando nuevos mercados para su música, Rodríguez firma en 1953 un nuevo contrato con la empresa transnacional RCA Víctor y su banda pasa a llamarse "Tito Rodríguez y su Orquesta". Años después de su muerte, BMG Music reeditó en formato CD varias de estas grabaciones.
En 1955, Tito Rodríguez se percata de que el atrilero de su banda en ese tiempo, su compatriota José "Cheo" Feliciano tenía talento para ser cantante y percusionista. Gracias a ello, Rodríguez le ofrece la oportunidad de cantar junto a su orquesta en el club nocturno neoyorkino, hoy desaparecido, Palladium. Feliciano sale airoso de la prueba y Rodríguez le recomienda al músico Joe Cuba su inclusión en su sexteto.
En 1960, renuncia a RCA Víctor y firma nuevo contrato con la división discográfica de la empresa cinematográfica United Artists. En su contrato, Rodríguez puso como condición que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello, titulado Live at the Palladium, constituyó un éxito que fue empañado sólo por la continua rivalidad con el músico estadounidense Tito Puente, la cual nació mientras trabajaban con la orquesta de José Curbelo. En junio de 1962, Rodríguez y su banda grabaron "Back Home In Puerto Rico" durante una estadía de dos semanas en la isla. Su regreso fue marcado por recepciones oficiales de gobierno y amplia cobertura por los medios noticiosos.
Trató de establecerse con una revista musical en la ciudad estadounidense de Las Vegas lo cual le ocasionó una gran pérdida económica. En 1963 graba junto a su orquesta un nuevo disco en vivo esta vez dedicado al Jazz Latino en el club neoyorkino Birland. Este álbum, titulado Live at Birland incluyó la colaboración de los músicos de jazz Bob Brookmeyer, Al Cohen, Bernie Leighton, Zoot Sims y Clark Terry. Pero en 1964, a causa de un veto artístico que le impedía actuar con sus músicos, Tito Rodríguez asumió el reto de cambiar radicalmente de estilo, al menos por ese momento, al interpretar boleros con acompañamiento de una orquesta de cuerdas, cuando los boleristas tradicionales no estaban en su mejor momento.
La disquera, puso el talento de Rodríguez en manos del músico, compositor y director estadounidense Leroy Holmes quien había tenido algún acercamiento con la música romántica latinoamericana. De esta colaboración, nace el álbum From Tito Rodríguez with Love (De Tito Rodríguez con amor) un auténtico éxito de ventas, que incluyó la canción "Inolvidable" del músico cubano Julio Gutiérrez. Este éxito inicial como bolerista, hace que años después de su muerte se le conociera como "El Inolvidable". La alianza entre Rodríguez y Holmes produjo unos nueve LP con interpretaciones que iban del género del bolero a la balada. A esta sucesión de LPs románticos la alternó con álbumes bailables diversos como el titulado Tito, Tito, Tito y Tito Número 1.
Los malos contratos de negocios y la controversia con sus músicos sobre el salario, le hicieron disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Cuando la compañía matriz de United Artists adquirió uno de los canales de televisión de Puerto Rico, Tito inició su propio programa en el cual aparecieron como invitadas diversas estrellas estadounidenses como Shirley Bassey, Tony Bennett y Sammy Davis Jr. Rodríguez pensó que como a él se le consideraba Nuyorican (neoyorkino de ascendencia puertorriqueña) no podría recibir algún premio por su programa.
Sintiendo el rechazo de sus compatriotas, Rodríguez regresa a Estados Unidos. El álbum "Estoy Como Nunca" marca este regreso a los escenarios de Nueva York. Por último, grabaría su disco El Doctor contentivo del tema Esa Bomba, su última canción sobre la rivalidad que sostuvo con Tito Puente.
En 1967, durante la grabación de uno de sus programas Rodríguez tuvo uno de los primeros síntomas de la leucemía, de la cual fallecería. En 1969, Rodríguez inició su labor como empresario discográfico con su sello TR Records. Enseguida viaja al Reino Unido, para grabar con músicos de aquel país su primer álbum en esta nueva etapa Inolvidable (Unforgetable) en el cual reeditó su famoso éxito de 1964 ya mencionado. A los boleros tradicionales contenidos en este LP sumó canciones de corte innovador como Amor No Es Solo Sexo. Durante el espacio entre las sesiones de grabación, le fue confirmado que padecía de leucemia aunque insistió en mantener en secreto su enfermedad.
En el año 1972 Rodríguez celebra sus 25 años de actividad como vocalista (aunque tenía más años en el medio artístico) con un espectáculo titulado 25th Anniversary Perfomance (Presentación del 25º Aniversario) el cual presentó en el Club "El Tumi" de Lima donde se realizó su última grabación en vivo. Este álbum, que incluyó sus éxitos de finales de los años 50 y los 60 fue presentado al público en enero de 1973 y despertó comentarios acerca de que esto fuera una despedida.
Desoyendo el consejo de guardar reposo, Rodríguez realizó su última presentación con la orquesta de su colega Francisco Raúl Gutiérrez Grillo (Machito) en el Madison Square Garden el 2 de febrero de 1973. Este espectáculo redujo aún más la vitalidad del cantante, por lo que debió ser hospitalizado.
Finalmente, perdió la batalla contra su enfermedad y, 24 días después, el 26 de febrero de 1973, Rodríguez falleció en los brazos de su esposa. A petición del cantante, sus restos fueron llevados a Puerto Rico y fueron velados en una ceremonia que congregó a varios colegas suyos, entre ellos su antiguo rival, Tito Puente. Luego, sus restos fueron cremados y depositados en una urna junto a los de su esposa, años después.
Homenajes [editar]
Cuando se formó la orquesta de salsa y jazz latino Fania All Stars (Las Estrellas de Fania) a Rodríguez se le invitó a tomar parte en la grabación de su primer álbum, lo cual declinó. Es, sin embargo, esta misma orquesta la que le rindió el primer tributo discográfico, años más tarde. Posteriormente, Danny Rivera, compatriota de Rodríguez, grabó un LP en homenaje suyo que incluyó un dúo con la voz de este. Igualmente, Chucho Avellanet cuya carrera de bolerista fue impulsada por el éxito de Tito Rodríguez, grabó otro álbum de homenaje.
Pero en 1993, al cumplirse 20 años de su desaparición, la disquera venezolana Palacio de la Música y la estadounidense West Side Latino (poseedora del catálogo de United Artist Latino) concibieron la idea de sustituir el acompañamiento original en los éxitos románticos de Rodríguez con un conjunto de voces y guitarras, escogiéndose para este fin a La Rondalla Venezolana. De esta fusión surgió el CD "Eternamente", grabación de gran éxito a la que se sumó "Nuevamente Juntos" en 1999. Estos homenajes se basaron en el deseo que tuvo Rodríguez, jamás cumplido, de grabar con guitarras.
También en 1993, el cantante de salsa y baladas Gilberto Santa Rosa realizó otro álbum titulado A Dos Tiempos De Un Tiempo con interpretaciones de boleros y salsa realizadas años atrás por Rodríguez, además de un tema especial dedicado a aquel y otro a dúo con el fallecido intérprete. Finalmente, en el año 2003 la disquera puertorriqueña Disco Hit retoma la idea de grabar la voz de Tito Rodríguez con guitarras y edita el álbum El Inolvidable: Boleros, Voces y Guitarras.
Su forma particular, sentimental y propia de interpretar el bolero y la música, le han hecho merecedor del reconocimiento internacional como uno de los grandes intérpretes de la música caribeña y del bolero. Después de su muerte y aún en vida ha tenido muchos intérpretes que siguen su estilo en el género del bolero.
Discografía [editar]
Esta discografía está incompleta. Sólo se contabiliza la recogida originalmente en LPs y CDs.
19__ WSLatino "Esta es mi Historia"
1960 United Artists "Tito Rodriguez Live at the Palladium"
1961 WS Latino "Charanga, Pachanga"
1961 WS Latino "Tito Returns to the Palladium - Live"
1962 WS Latino "Latin Twist"
1962 WS Latino "Tito's Hits"
1962 WSLatino "Let's do the Bossanova"
1963 Palladium Records "Tito Rodríguez from Hollywood"
1963 Palladium Records "Tito Rodríguez Live at Birdland"
1963 WS Latino "From Tito With Love"
1964 WSLatino "Carnaval de las Américas"
1967 WS Latino "En la Oscuridad"
1968 WSLatino "Esta es mi Orquesta"
1969 TR Records "Inolvidable"
1971 Fania "Tito Dice... Sepárala También" con el Sexteto La Playa
1972 (1949 a 1958) Tico Records-Fania Legend "Nostalgia con Tito Rodríguez"
1993 Palacio de la Música-WS Latino “Tito Rodríguez con la Rondalla Venezolana: Eternamente”
1995 Palacio América "Cindy & Tito Rodríguez: Alma con Alma"
1999 Palacio de la Música-WS Latino “Tito Rodríguez con la Rondalla Venezolana: Nuevamente Juntos”
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Tito_Rodr%C3%ADguez"
El reconocido vocalista, percusionista, director de banda, compositor, y productor de grabaciones, Tito Rodríguez, ya tocaba maracas con 16 años, y cantaba como segunda voz con el Cuarteto Mayari antes de trasladarse a la ciudad de Nueva York para vivir con su hermano mayor, Johnny quien se había mudado allí en 1935.
El primer trabajo de Rodríguez en la Ciudad de Nueva York fue con el Cuarteto Caney. Después de un breve tiempo con Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y bongista se alistó en el Ejército de los Estados Unidos.
En 1946 el pianista y compositor cubano José Curbelo reclutó a Tito Rodríguez y a Tito Puente para su banda, que llegó a ser una "incubadora" para el futuro sonido del mambo en Nueva York.
En febrero 1947, mientras aun estaba con Curbelo, Rodríguez participó en una sesión de grabación de Chano Pozo para el sello SMC, que incluyó la banda de Machito, Arsenio Rodríguez y Miguelito Valdés.
Dirigió un quinteto efímero, que él formó a finales del 1947, llamado los "Mambo Devils" en 1948.
En 1949 firmó con Tico Records, formada apenas un año anterior. Hizo dos trabajos para este sello, entre 1949 y 1953 y entre 1956 y 1958, durante este tiempo lanzó 78 grabaciones de RPM, seis volúmenes de mambos de 10 pulgadas, y varios álbumes de 12 pulgada.
En 1960 firmó con United Artists Records con el acuerdo que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello: "Live at the Palladium" fue un éxito magnífico.
En 1963 él lanzó el disco de jazz latino: "Live at Birdland" que incluyó a los músicos de jazz Zoot Sims, Clark Terry, Bob Brookmeyer, Al Cohen y Bernie Leighton. Ese mismo año Rodríguez tuvo un éxito extraordinario con su álbum: "From Tito Rodríguez with Love" en el cuál, Israel "Cachao" López, como acompañante dio una lección maestra al contrabajo.
Malos contratos de negocios y el constante choque con sus músicos lo llevaron a disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Sintiéndose rechazado por su propia gente, Tito Rodríguez se mudó a Coral Gables, Florida, en los Estados Unidos. Rodríguez demostró los primeros signos de su enfermedad en 1967 al hacer uno de sus últimos programas de televisión.
La última apariencia de Rodríguez fue con Machito y su banda en el Madison Square Garden de New York el 2 de febrero de 1973. Poco después la leucemia le quitó la vida
Fue el segundo de los diez hijos del matrimonio formado por el dominicano José Rodríguez Fuentes y la cubana Severiana Lozada.
Desde su niñez, mostró gran interés en la música y ya en su niñez organizó e integró el conjunto Sexteto Nacional, junto a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau. Luego, a los 13 años integró el Conjunto de Industrias Nativas que dirigía el músico Ladislao Martínez, con la cual grabó su primer tema, titulado Amor perdido en 1937. Al año siguiente, le invitan a formar parte del grupo Cuarteto Mayarí junto con los guitarristas Manuel Jiménez (guitarrista) y Francisco "Paquito" Sánchez y el trompetista Plácido Acevedo. Tito tocaba las maracas y hacía la segunda voz en el conjunto, experiencia que nunca fue grabada pues permaneció solo cuatro meses con el grupo.
La isla de Puerto Rico pasaba en ese momento por una situación económica difícil influenciada por la "Gran Depresión" estadounidense; es esta circunstancia la que lleva a Tito a escribirle a su hermano, el músico y cantante Johnny Rodríguez, quien residía en Nueva York desde 1935, expresándole su deseo de marcharse. Había concluido sus estudios de bachillerato y sus padres habían fallecido, lo que precipitó su partida.
En Nueva York [editar]
En 1939, Tito Rodríguez, con 16 años de edad, llegó a Nueva York esperanzado en trabajar como cantante y trazar su propia ruta musical. En un principio hizo apariciones en la orquesta de su hermano Johnny y poco después logró cantar con el Cuarteto Marcano, con el cual grabó sus primeros discos en Nueva York, aunque nunca formó parte de esta agrupación. Luego, integró el Cuarteto Caney y tras una pasantía breve por las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y percusionista, presta en 1945 el servicio militar obligatorio en el ejército estadounidense.
Al licenciarse del ejército, el pianista y compositor cubano José Curbelo reclutó a Rodríguez como cantante y músico para su orquesta. Ese año, mientras la banda de Curbelo actuaba en el club nocturno "China Doll", Rodríguez conoció a una corista estadounidense-japonesa llamada Tobi Kei, con quien se casó unos meses después y tendría a sus hijos Tito Jr. y Cindy.
Como anécdota de esta época, se cuenta que un día de 1947, Rodríguez pidió permiso a Curbelo para atender a su esposa enferma, pero realmente el cantante estaba tomando licor en un bar. Curbelo lo despidió y Tito estuvo desempleado largo tiempo. Después dirigió un quinteto de corta duración y en 1948 funda la orquesta "Mambo Devils" (Diablos del Mambo). Con esta orquesta, en pleno auge del mambo, Rodríguez rivaliza con las orquestas de Tito Puente y con los Afrocubans de Machito .
Firma su primer contrato de grabación con la disquera Tico Records, la cual le obliga a cambiar el nombre de su orquesta, el cual pasó a ser Los Lobos del Mambo. Para entonces había iniciado estudios en Julliard Musical Conservatorio tomando clases de percusión, vibráfono y xilófono.
Buscando nuevos mercados para su música, Rodríguez firma en 1953 un nuevo contrato con la empresa transnacional RCA Víctor y su banda pasa a llamarse "Tito Rodríguez y su Orquesta". Años después de su muerte, BMG Music reeditó en formato CD varias de estas grabaciones.
En 1955, Tito Rodríguez se percata de que el atrilero de su banda en ese tiempo, su compatriota José "Cheo" Feliciano tenía talento para ser cantante y percusionista. Gracias a ello, Rodríguez le ofrece la oportunidad de cantar junto a su orquesta en el club nocturno neoyorkino, hoy desaparecido, Palladium. Feliciano sale airoso de la prueba y Rodríguez le recomienda al músico Joe Cuba su inclusión en su sexteto.
En 1960, renuncia a RCA Víctor y firma nuevo contrato con la división discográfica de la empresa cinematográfica United Artists. En su contrato, Rodríguez puso como condición que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello, titulado Live at the Palladium, constituyó un éxito que fue empañado sólo por la continua rivalidad con el músico estadounidense Tito Puente, la cual nació mientras trabajaban con la orquesta de José Curbelo. En junio de 1962, Rodríguez y su banda grabaron "Back Home In Puerto Rico" durante una estadía de dos semanas en la isla. Su regreso fue marcado por recepciones oficiales de gobierno y amplia cobertura por los medios noticiosos.
Trató de establecerse con una revista musical en la ciudad estadounidense de Las Vegas lo cual le ocasionó una gran pérdida económica. En 1963 graba junto a su orquesta un nuevo disco en vivo esta vez dedicado al Jazz Latino en el club neoyorkino Birland. Este álbum, titulado Live at Birland incluyó la colaboración de los músicos de jazz Bob Brookmeyer, Al Cohen, Bernie Leighton, Zoot Sims y Clark Terry. Pero en 1964, a causa de un veto artístico que le impedía actuar con sus músicos, Tito Rodríguez asumió el reto de cambiar radicalmente de estilo, al menos por ese momento, al interpretar boleros con acompañamiento de una orquesta de cuerdas, cuando los boleristas tradicionales no estaban en su mejor momento.
La disquera, puso el talento de Rodríguez en manos del músico, compositor y director estadounidense Leroy Holmes quien había tenido algún acercamiento con la música romántica latinoamericana. De esta colaboración, nace el álbum From Tito Rodríguez with Love (De Tito Rodríguez con amor) un auténtico éxito de ventas, que incluyó la canción "Inolvidable" del músico cubano Julio Gutiérrez. Este éxito inicial como bolerista, hace que años después de su muerte se le conociera como "El Inolvidable". La alianza entre Rodríguez y Holmes produjo unos nueve LP con interpretaciones que iban del género del bolero a la balada. A esta sucesión de LPs románticos la alternó con álbumes bailables diversos como el titulado Tito, Tito, Tito y Tito Número 1.
Los malos contratos de negocios y la controversia con sus músicos sobre el salario, le hicieron disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Cuando la compañía matriz de United Artists adquirió uno de los canales de televisión de Puerto Rico, Tito inició su propio programa en el cual aparecieron como invitadas diversas estrellas estadounidenses como Shirley Bassey, Tony Bennett y Sammy Davis Jr. Rodríguez pensó que como a él se le consideraba Nuyorican (neoyorkino de ascendencia puertorriqueña) no podría recibir algún premio por su programa.
Sintiendo el rechazo de sus compatriotas, Rodríguez regresa a Estados Unidos. El álbum "Estoy Como Nunca" marca este regreso a los escenarios de Nueva York. Por último, grabaría su disco El Doctor contentivo del tema Esa Bomba, su última canción sobre la rivalidad que sostuvo con Tito Puente.
En 1967, durante la grabación de uno de sus programas Rodríguez tuvo uno de los primeros síntomas de la leucemía, de la cual fallecería. En 1969, Rodríguez inició su labor como empresario discográfico con su sello TR Records. Enseguida viaja al Reino Unido, para grabar con músicos de aquel país su primer álbum en esta nueva etapa Inolvidable (Unforgetable) en el cual reeditó su famoso éxito de 1964 ya mencionado. A los boleros tradicionales contenidos en este LP sumó canciones de corte innovador como Amor No Es Solo Sexo. Durante el espacio entre las sesiones de grabación, le fue confirmado que padecía de leucemia aunque insistió en mantener en secreto su enfermedad.
En el año 1972 Rodríguez celebra sus 25 años de actividad como vocalista (aunque tenía más años en el medio artístico) con un espectáculo titulado 25th Anniversary Perfomance (Presentación del 25º Aniversario) el cual presentó en el Club "El Tumi" de Lima donde se realizó su última grabación en vivo. Este álbum, que incluyó sus éxitos de finales de los años 50 y los 60 fue presentado al público en enero de 1973 y despertó comentarios acerca de que esto fuera una despedida.
Desoyendo el consejo de guardar reposo, Rodríguez realizó su última presentación con la orquesta de su colega Francisco Raúl Gutiérrez Grillo (Machito) en el Madison Square Garden el 2 de febrero de 1973. Este espectáculo redujo aún más la vitalidad del cantante, por lo que debió ser hospitalizado.
Finalmente, perdió la batalla contra su enfermedad y, 24 días después, el 26 de febrero de 1973, Rodríguez falleció en los brazos de su esposa. A petición del cantante, sus restos fueron llevados a Puerto Rico y fueron velados en una ceremonia que congregó a varios colegas suyos, entre ellos su antiguo rival, Tito Puente. Luego, sus restos fueron cremados y depositados en una urna junto a los de su esposa, años después.
Homenajes [editar]
Cuando se formó la orquesta de salsa y jazz latino Fania All Stars (Las Estrellas de Fania) a Rodríguez se le invitó a tomar parte en la grabación de su primer álbum, lo cual declinó. Es, sin embargo, esta misma orquesta la que le rindió el primer tributo discográfico, años más tarde. Posteriormente, Danny Rivera, compatriota de Rodríguez, grabó un LP en homenaje suyo que incluyó un dúo con la voz de este. Igualmente, Chucho Avellanet cuya carrera de bolerista fue impulsada por el éxito de Tito Rodríguez, grabó otro álbum de homenaje.
Pero en 1993, al cumplirse 20 años de su desaparición, la disquera venezolana Palacio de la Música y la estadounidense West Side Latino (poseedora del catálogo de United Artist Latino) concibieron la idea de sustituir el acompañamiento original en los éxitos románticos de Rodríguez con un conjunto de voces y guitarras, escogiéndose para este fin a La Rondalla Venezolana. De esta fusión surgió el CD "Eternamente", grabación de gran éxito a la que se sumó "Nuevamente Juntos" en 1999. Estos homenajes se basaron en el deseo que tuvo Rodríguez, jamás cumplido, de grabar con guitarras.
También en 1993, el cantante de salsa y baladas Gilberto Santa Rosa realizó otro álbum titulado A Dos Tiempos De Un Tiempo con interpretaciones de boleros y salsa realizadas años atrás por Rodríguez, además de un tema especial dedicado a aquel y otro a dúo con el fallecido intérprete. Finalmente, en el año 2003 la disquera puertorriqueña Disco Hit retoma la idea de grabar la voz de Tito Rodríguez con guitarras y edita el álbum El Inolvidable: Boleros, Voces y Guitarras.
Su forma particular, sentimental y propia de interpretar el bolero y la música, le han hecho merecedor del reconocimiento internacional como uno de los grandes intérpretes de la música caribeña y del bolero. Después de su muerte y aún en vida ha tenido muchos intérpretes que siguen su estilo en el género del bolero.
Discografía [editar]
Esta discografía está incompleta. Sólo se contabiliza la recogida originalmente en LPs y CDs.
19__ WSLatino "Esta es mi Historia"
1960 United Artists "Tito Rodriguez Live at the Palladium"
1961 WS Latino "Charanga, Pachanga"
1961 WS Latino "Tito Returns to the Palladium - Live"
1962 WS Latino "Latin Twist"
1962 WS Latino "Tito's Hits"
1962 WSLatino "Let's do the Bossanova"
1963 Palladium Records "Tito Rodríguez from Hollywood"
1963 Palladium Records "Tito Rodríguez Live at Birdland"
1963 WS Latino "From Tito With Love"
1964 WSLatino "Carnaval de las Américas"
1967 WS Latino "En la Oscuridad"
1968 WSLatino "Esta es mi Orquesta"
1969 TR Records "Inolvidable"
1971 Fania "Tito Dice... Sepárala También" con el Sexteto La Playa
1972 (1949 a 1958) Tico Records-Fania Legend "Nostalgia con Tito Rodríguez"
1993 Palacio de la Música-WS Latino “Tito Rodríguez con la Rondalla Venezolana: Eternamente”
1995 Palacio América "Cindy & Tito Rodríguez: Alma con Alma"
1999 Palacio de la Música-WS Latino “Tito Rodríguez con la Rondalla Venezolana: Nuevamente Juntos”
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Tito_Rodr%C3%ADguez"
Johnny Rodriguez
JOHNNY RODRIGUEZ
Johnny Rodríguez y su Trío, de origen puertorriqueño, compuesto originalmente por Lalo Martínez, Johnny Rodríguez y Manuel Jiménez. acompañó musicalmente a artistas famosos en diversos géneros musicales.
Johnny Rodriguez fue de los primeros en organizar tríos en la década del 30. y hacía la primera voz en su trío. La canción “Fichas negras” de su autoría fue un éxito que todavía es recordado con gran devoción. Viajó por todo el mundo hispano y Europa; en Puerto Rico estuvo vinculado a programas que él mismo amenizaba. Falleció hace unos años dejándonos su perdurable legado musical. Otra versión de su trío, compuesto por Pedro Juan Sabat segunda voz y segunda guitarra y Millito Cruz, requinto y tercera voz, y Juan de Capadocia Rodríguez, “Johnny” la primera voz.
En otra época de su vida, ya Johnny abrió un negocio de travestis en Santurce donde se hacían imitaciones de artistas (féminas) por jóvenes actores y se servía en ambiente sano e incluso familiar. Después llevó el espectáculo por los teatros principales con el afán de que la gente cruzara el prejuicio que prevalece sobre este tipo de actuación.
Johnny Rodríguez considerado como un aventajado cantante de tríos y un gran compositor, nació en Camuy, Puerto Rico, el 10 de octubre de 1912. Hijo de madre cubana y de padre boricua, fue el mayor de seis hermanos, mudándose junto con su familia a Barrio Obrero y asistió a la Escuela Luchetti, donde comenzó a cantar y actuar en verbenas estudiantiles. Una experiencia de trabajo con la emisora WKAQ y la empresa publicitaria West Indies Advertinsing, llevó a Johnny Rodríguez por primera vez a la radio. Gracias a su esplendida labor, fue reclutado por las orquestas de Ralph Sánchez, Rafael Muñoz y Mario Dumont. En 1930 organizó el Cuarteto de Estrellas Boricuas que trasmitía sus programas a través de WKAQ. Cinco años más tarde fue contratado por la RCA en Nueva York y grabó sus primeros éxitos con la Orquesta de Armando Valdespì. Vivió en Nueva York donde se hizo famoso en los clubes nocturnos hispanos. En 1937 regresó a Puerto Rico y tres años mas tarde se convirtió en uno de los primeros artistas puertorriqueños en firmar contrato con la CBS al actuar con su trío en el programa “Música para las Américas”. Viajó por toda Latinoamérica donde su mayor éxito fue su composición “Fichas Negras”, Debutó en el Caribe Hilton de San Juan en 1952. Posteriormente se convirtió en solista al frente de su propia orquesta, en Nueva York. En 1957 se radicó definitivamente en Puerto Rico y en la década de los 60 inauguró un club de espectáculos, llamado “El Cotorrito”, frecuentado por figuras de la alta sociedad, siendo este centro nocturno uno de los primeros escenarios serios que tuvo el travestismo en Puerto Rico. Hombre de grandes convicciones, en sus últimos años de vida laboró en la radio puertorriqueña, falleciendo el 3 de febrero de 1997, a la edad de 85 años aproximadamente.
Johnny Rodríguez y su Trío, de origen puertorriqueño, compuesto originalmente por Lalo Martínez, Johnny Rodríguez y Manuel Jiménez. acompañó musicalmente a artistas famosos en diversos géneros musicales.
Johnny Rodriguez fue de los primeros en organizar tríos en la década del 30. y hacía la primera voz en su trío. La canción “Fichas negras” de su autoría fue un éxito que todavía es recordado con gran devoción. Viajó por todo el mundo hispano y Europa; en Puerto Rico estuvo vinculado a programas que él mismo amenizaba. Falleció hace unos años dejándonos su perdurable legado musical. Otra versión de su trío, compuesto por Pedro Juan Sabat segunda voz y segunda guitarra y Millito Cruz, requinto y tercera voz, y Juan de Capadocia Rodríguez, “Johnny” la primera voz.
En otra época de su vida, ya Johnny abrió un negocio de travestis en Santurce donde se hacían imitaciones de artistas (féminas) por jóvenes actores y se servía en ambiente sano e incluso familiar. Después llevó el espectáculo por los teatros principales con el afán de que la gente cruzara el prejuicio que prevalece sobre este tipo de actuación.
Johnny Rodríguez considerado como un aventajado cantante de tríos y un gran compositor, nació en Camuy, Puerto Rico, el 10 de octubre de 1912. Hijo de madre cubana y de padre boricua, fue el mayor de seis hermanos, mudándose junto con su familia a Barrio Obrero y asistió a la Escuela Luchetti, donde comenzó a cantar y actuar en verbenas estudiantiles. Una experiencia de trabajo con la emisora WKAQ y la empresa publicitaria West Indies Advertinsing, llevó a Johnny Rodríguez por primera vez a la radio. Gracias a su esplendida labor, fue reclutado por las orquestas de Ralph Sánchez, Rafael Muñoz y Mario Dumont. En 1930 organizó el Cuarteto de Estrellas Boricuas que trasmitía sus programas a través de WKAQ. Cinco años más tarde fue contratado por la RCA en Nueva York y grabó sus primeros éxitos con la Orquesta de Armando Valdespì. Vivió en Nueva York donde se hizo famoso en los clubes nocturnos hispanos. En 1937 regresó a Puerto Rico y tres años mas tarde se convirtió en uno de los primeros artistas puertorriqueños en firmar contrato con la CBS al actuar con su trío en el programa “Música para las Américas”. Viajó por toda Latinoamérica donde su mayor éxito fue su composición “Fichas Negras”, Debutó en el Caribe Hilton de San Juan en 1952. Posteriormente se convirtió en solista al frente de su propia orquesta, en Nueva York. En 1957 se radicó definitivamente en Puerto Rico y en la década de los 60 inauguró un club de espectáculos, llamado “El Cotorrito”, frecuentado por figuras de la alta sociedad, siendo este centro nocturno uno de los primeros escenarios serios que tuvo el travestismo en Puerto Rico. Hombre de grandes convicciones, en sus últimos años de vida laboró en la radio puertorriqueña, falleciendo el 3 de febrero de 1997, a la edad de 85 años aproximadamente.
joe cuba
Joe Cuba
La carrera musical de Joe Cuba hijo de inmigrantes puertorriqueños, comenzó con La Alfarona X en 1950. En 1955 nació el sexteto Joe Cuba y su sonido de vibráfono prendió. En 1962, cuando el grupo grabó "To be with you" para Seeco Records, la banda comenzó a ganar popularidad por los arreglos de Nick Jiménez y las voces de Cheo Feliciano y Jimmy Sabater.
Cuando llegó la era boogaloo, la mayoría de las bandas populares neoyorquinas se quedaron sin trabajo. El sonido de Joe Cuba cambió con su grabaciones de "El Pito" y "Bang Bang"; no sólo vendió millones sino que le permitió al sexteto de Cuba disfrutar el puesto número 1 en el mundo de la música latina junto con la orquesta de Eddie Palmieri
GESTOR E IMPULSOR DE NUEVAS FIGURAS .La figura del canto de su grupo fue durante diez años Cheo Feliciano que ingresara por recomendación del mismìsimo Tito Rodríguez. Tambièn contribuyeron Jimmy Sabater en el timbal, en la composición y con su voz. Por ùltimo Willie Torres como cantante, quien tenìa su trayectoria con Josè >Curbelo, que empezò por ayudar a componer y por cantar To Be UIT You, uno de los primeros èxitos del Sexteto. Otros invitados a conformar la nòmina original de Joe Cuba, fueron el vibrafonista Tommy Berrìos, y el pianista , arreglista y compositor Nick Jiménez tambièn puertorriqueño Jules "sLIM" Cordero, el bajista neuyorquino, quien en otras etapas fue reemplazado por Bobby Rodrìguez.
Temas: el bolero: mujer Divina del compositor Hèctor Rivera y cantado por Wilie Torres. Bang Bang, I^ll Never go back to Georgia, (màs conocido como El Pito), atribuido a Jimmy Sabater,. Ariñarara, El Hueso, Aprieta y Siempre sea, deL mismo Joe Cuba, Mambo of the times, (Nick Jìmenez) , Salsa y Bembè, Oriente, A las seis, Yo vine pa`ver, .cachondea .
Gilberto Calderòn naciò en Nueva York el 22 de Abril de 1931 y unio el mundo de los latinos con el de los norteamericanos en los tiempos del boom del rock and roll y del twist. Joe Cuba aprendiò mucho de Patato Valdès, Noro mORALES en los años 40s, luego con Marcelino Guerra(Rapindey), y después con el Conjunto Alfarona X.
GRUPO PEQUEÑO QUE COMPITIÒ CON LOS GRANDES Entra a formar su orquesta para competir con la de Machito, Tito Puente o Tito Rodrìguez y tenìa la ventaja de ser mas econòmico y con facil trasporte a cualquier sitio de la gran ciudad.
Cuando se retira Cheo feliciano después de diez años para irse detràs de las ofertas de Pacheco y Masucci, y hacerse solista, Jimy Sabater y Willie Torres son las otras voces para mostrar al pùblico. En algún momento estuvo tambièn Chivirico Dàvila..
TODO TIENE SU FINAL en el año 1996, vino a Colombia, hubo reencuentros emotivos con las viejas figuras, pero todo se truncò cuando sufriò una fuerte caìda que le dañò la cadera y señalò el declive final al infectarse en su tratamiento. Todo acabò para este lider musical el 15 de Febrero del 2009.
Gilberto Calderón, bautizado como Joe Cuba por un promotor musical, aunque figura en el medio ambiente musical desde comienzos de los 1950, su verdadera ascensión a la cuesta de la fama llegó en los 1960
DISCOGRAPHY
1. Bang Bang , Cocinando, Ay Milagro, El Raton 1963, Joe Cubas Latin Hustle, My Man Speedy, Quinto Sabroso, El Pito, Trip To Mamboland, Sock It To Me, Y Tu Abuela Donde Esta , Oriza Oco , Psychedelic Baby , Pataquibiriquambambaram , Quires Volver , Yo Y Borinquen , Mi Salsa Buena , Bailadores , Joe Cubas , Madness Pts 1 And 2, Oye Bien , Mujer Divina , La Tortilla , Talk About Love , Alafia , Ritmo De Joe Cuba , Hey Joe Hey Joe , Elube Chango , Wakini , No Coman Cuento , To Be With You -1962, Mi Lindo Son , Oh Yeah , Flacos Cha Cha , La Malanga Brava , Contigo Aprendi , Ya Se Acabo , We must bi doing something right -1965, Hecho y Derecho-Doin’it Right-1973, Salsa y Bembe-1998
La carrera musical de Joe Cuba hijo de inmigrantes puertorriqueños, comenzó con La Alfarona X en 1950. En 1955 nació el sexteto Joe Cuba y su sonido de vibráfono prendió. En 1962, cuando el grupo grabó "To be with you" para Seeco Records, la banda comenzó a ganar popularidad por los arreglos de Nick Jiménez y las voces de Cheo Feliciano y Jimmy Sabater.
Cuando llegó la era boogaloo, la mayoría de las bandas populares neoyorquinas se quedaron sin trabajo. El sonido de Joe Cuba cambió con su grabaciones de "El Pito" y "Bang Bang"; no sólo vendió millones sino que le permitió al sexteto de Cuba disfrutar el puesto número 1 en el mundo de la música latina junto con la orquesta de Eddie Palmieri
GESTOR E IMPULSOR DE NUEVAS FIGURAS .La figura del canto de su grupo fue durante diez años Cheo Feliciano que ingresara por recomendación del mismìsimo Tito Rodríguez. Tambièn contribuyeron Jimmy Sabater en el timbal, en la composición y con su voz. Por ùltimo Willie Torres como cantante, quien tenìa su trayectoria con Josè >Curbelo, que empezò por ayudar a componer y por cantar To Be UIT You, uno de los primeros èxitos del Sexteto. Otros invitados a conformar la nòmina original de Joe Cuba, fueron el vibrafonista Tommy Berrìos, y el pianista , arreglista y compositor Nick Jiménez tambièn puertorriqueño Jules "sLIM" Cordero, el bajista neuyorquino, quien en otras etapas fue reemplazado por Bobby Rodrìguez.
Temas: el bolero: mujer Divina del compositor Hèctor Rivera y cantado por Wilie Torres. Bang Bang, I^ll Never go back to Georgia, (màs conocido como El Pito), atribuido a Jimmy Sabater,. Ariñarara, El Hueso, Aprieta y Siempre sea, deL mismo Joe Cuba, Mambo of the times, (Nick Jìmenez) , Salsa y Bembè, Oriente, A las seis, Yo vine pa`ver, .cachondea .
Gilberto Calderòn naciò en Nueva York el 22 de Abril de 1931 y unio el mundo de los latinos con el de los norteamericanos en los tiempos del boom del rock and roll y del twist. Joe Cuba aprendiò mucho de Patato Valdès, Noro mORALES en los años 40s, luego con Marcelino Guerra(Rapindey), y después con el Conjunto Alfarona X.
GRUPO PEQUEÑO QUE COMPITIÒ CON LOS GRANDES Entra a formar su orquesta para competir con la de Machito, Tito Puente o Tito Rodrìguez y tenìa la ventaja de ser mas econòmico y con facil trasporte a cualquier sitio de la gran ciudad.
Cuando se retira Cheo feliciano después de diez años para irse detràs de las ofertas de Pacheco y Masucci, y hacerse solista, Jimy Sabater y Willie Torres son las otras voces para mostrar al pùblico. En algún momento estuvo tambièn Chivirico Dàvila..
TODO TIENE SU FINAL en el año 1996, vino a Colombia, hubo reencuentros emotivos con las viejas figuras, pero todo se truncò cuando sufriò una fuerte caìda que le dañò la cadera y señalò el declive final al infectarse en su tratamiento. Todo acabò para este lider musical el 15 de Febrero del 2009.
Gilberto Calderón, bautizado como Joe Cuba por un promotor musical, aunque figura en el medio ambiente musical desde comienzos de los 1950, su verdadera ascensión a la cuesta de la fama llegó en los 1960
DISCOGRAPHY
1. Bang Bang , Cocinando, Ay Milagro, El Raton 1963, Joe Cubas Latin Hustle, My Man Speedy, Quinto Sabroso, El Pito, Trip To Mamboland, Sock It To Me, Y Tu Abuela Donde Esta , Oriza Oco , Psychedelic Baby , Pataquibiriquambambaram , Quires Volver , Yo Y Borinquen , Mi Salsa Buena , Bailadores , Joe Cubas , Madness Pts 1 And 2, Oye Bien , Mujer Divina , La Tortilla , Talk About Love , Alafia , Ritmo De Joe Cuba , Hey Joe Hey Joe , Elube Chango , Wakini , No Coman Cuento , To Be With You -1962, Mi Lindo Son , Oh Yeah , Flacos Cha Cha , La Malanga Brava , Contigo Aprendi , Ya Se Acabo , We must bi doing something right -1965, Hecho y Derecho-Doin’it Right-1973, Salsa y Bembe-1998
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